segunda-feira, 19 de fevereiro de 2018

O INSULTO

   
Antonio Carlos Egypto





O INSULTO (L’Insulte).  Líbano, 2017.  Direção: Ziad Doueiri.  Com Adel Karam, Rita Hayek, Kamel El Basha.  112 min.


O filme libanês O Insulto” é um dos cinco finalistas na disputa pelo Oscar de filme estrangeiro.  É a primeira produção do Líbano que chega a tanto.  Compete com “Sem Amor”, “The Square – A Arte da Discórdia”, “Corpo e Alma”, “Uma Mulher Fantástica”.  É uma proeza estar entre esses títulos de peso.  Não que ao tema com que lida falte apelo.  Ao contrário, é assunto de todos os dias no noticiário internacional.

 Uma divergência absolutamente banal, uma calha que verte água por onde não podia, molhando as pessoas, opõe dois homens.  Um, é o mecânico cristão-libanês Tony (Adel Karam).  O outro, é o refugiado palestino Yasser (Kamel El Basha).  Um desentendimento, um insulto, e tudo vai parar nos tribunais.  A partir daí, o conflito não só se estabelece como vai progressivamente se ampliando, para acabar abarcando toda a questão judaico-palestina que envolve o Oriente Médio.

Tema espinhoso, sem solução, tratado com uma certa ingenuiade política.  Vamos descobrindo, ao longo das discussões que o filme mostra, que, afinal, os dois contendores em conflito, sofreram ambos violências atrozes.  São, portanto, vítimas.  O que abre espaço para o discurso da conciliação, como se nessa história toda as coisas simplesmente se equiparassem.

O que falta é o quê?  Boa vontade, disposição política?  Não é tão fácil assim.  Há questões históricas complexas aí envolvidas, fanatismos de todos os tipos: políticos, religiosos, culturais, étnicos.  Boas intenções não bastam.  Aliás, o próprio filme apresenta esses impasses quando mostra as reações dos grupos envolvidos e representados nas ações dos tribunais, suas repercussões midiáticas e tudo o mais.

As pessoas, individualmente, podem se pacificar, tornarem-se tolerantes, praticar a empatia.  Ainda assim, o impasse coletivo continuará lá.  O social e o político não são a soma das ações individuais.  Assumem outra dimensão que tem de ser encarada e a verdade é que ninguém mais sabe encontrar o tal caminho da conciliação, nem mesmo sabe se, neste caso, ele ainda existe.


“O Insulto” é bem produzido, mas é um filme absolutamente convencional.  Já alcançou uma evidência e um sucesso de público pelo mundo surpreendentes, pelo que oferece.



quarta-feira, 14 de fevereiro de 2018

TRÊS ANÚNCIOS PARA UM CRIME


Antonio Carlos Egypto




TRÊS ANÚNCIOS PARA UM CRIME (Three Billboards Outside.  Ebbing, Missouri).  Estados Unidos, 2017.  Direção e roteiro: Martin McDonagh.  Com Frances McDormand, Woody Warrelson, Sam Rockwell, Abbie Cornish.  115 min.


“Três Anúncios Para um Crime”, o filme estadunidense de Martin McDonagh, tem uma história fascinante e uma personagem forte e decidida.  Mildred Hayes (Frances McDormand) é uma mulher do interior, de luto pelo estupro e assassinato da filha, que já ocorreu há sete meses, que não se conforma que nada tenha sido descoberto e que os culpados não sejam punidos.

Resolve, então, cobrar das autoridades policiais locais e o faz de um modo competente e original.  Para isso se vale do aluguel de outdoors disponíveis, o que transforma sua cobrança em algo público e põe em cheque o respeitável delegado policial da localidade.  Daí surgirão muitos conflitos, capazes de gerar violência e produzir desarranjos nas relações da comunidade.




Se isso que eu contei até aqui lhe sugere um confronto previsível em busca de vingança pelas próprias mãos, só que agora envolvendo o gênero feminino, e essa seja a novidade, você se engana.  Não vou contar mais nada, para não estragar o prazer da sua descoberta, mas o roteiro vai caminhar por rotas surpreendentes, que transformarão essa história em algo bem peculiar.

Se Mildred é uma figura incrível de tirocínio e coragem, o delegado Bill Willoughby (Woody Warrelson), o responsável pela investigação ineficiente, é também uma figura humana bem estruturada, que merece toda a atenção, assim como o relacionamento que se estabelece entre os dois.  Os outros personagens que entram na história compõem um conjunto psicologicamente consistente e atraente.  “Três Anúncios Para um Crime” flui muito bem e mantém o suspense a que se propõe.  Digamos que estamos diante de um faroeste pós-moderno.  Ou uma comédia sombria, quem sabe. 


Os dois atores centrais estão excelentes, levam o filme a um ponto alto, valorizando a boa história que têm em mãos.  O filme tem boas chances no Oscar.  Está indicado em 7 categorias: melhor filme, melhor roteiro original, melhor montagem, melhor trilha sonora, melhor atriz (Francis McDormand) e duas indicações para melhor ator coadjuvante (Woody Warrelson e Sam Rockwell).  Indicações que atestam a qualidade do trabalho, não são só técnicas ou específicas, tratam do essencial do fazer cinematográfico.



sábado, 10 de fevereiro de 2018

PELAS TELAS DE SAMPA

  
Antonio Carlos Egypto

Tem bloco na rua, desfile de Escola de Samba, baile à fantasia, muita gente viajando.  Mas São Paulo comporta muito mais coisa além disso.  Tem bom cinema, antes, durante e depois do carnaval.  E o ano todo.

Nessa época, o Oscar costuma galvanizar as atenções, ainda que muitas vezes os filmes selecionados decepcionem.  O marketing é forte e a tradição ajuda a levar mais gente aos cinemas, o que é muito bom.  Mas nem só de Oscar vive o cinema por aqui.




Na Cinemateca Brasileira já começaram os Dias de Cine Esloveno.  Até dia 18 de fevereiro, estão sendo exibidos 7 longas produzidos na Eslovênia, alguns em parceria com outros países.  O único filme esloveno que eu me lembro de ter visto foi “Slovenian Girl”, produção de 2009, que foi exibida nos cinemas por pouco tempo e era um bom trabalho sobre o tema da prostituição.  Nessa mostra de agora vai ser possível conhecer um pouco mais desse cinema e do próprio país, ambos pouco presentes na vida brasileira.

Há lugar para os clássicos, também.  O Instituto Moreira Salles, da avenida Paulista, programou para os meses de fevereiro e março o ciclo Kenji Mizoguchi, com 18 longas do famoso diretor japonês, nascido em 1898 e falecido em 1956.  Mizoguchi forma, ao lado de Yasugiro Ozu (1903-1963) e Akira Kurosawa (1910-1998), a trinca de ouro do cinema japonês de todos os tempos.


KENJI MISOGUCHI


Brilhante criador, marcado por longos planos-sequência, uma câmera que explora magnificamente os espaços, personagens femininas fortes e diversificadas, inseridas num contexto social de relações de poder, conflitos de classe, guerra, fome, morte, mesclando violência e serenidade.  É uma ótima oportunidade para conhecer, ou rever, essa obra tão importante da história do cinema.  Alguns desses filmes de Kenji Mizoguchi foram lançados em duas caixas de DVD’s caprichados, da Versátil.  É uma alternativa para quem não puder acompanhar os filmes na telona, o que é muito mais interessante.


LUCHINO VISCONTI


De 01 a 14 de março, é a vez do Cinesesc exibir uma retrospectiva completa de Luchino Visconti (1906-1976).  Serão 17 longas, sendo 12 cópias em 35 mm e 5, em digital, que cobrem toda a obra do grande cineasta italiano, sendo 3 desses filmes em parceria com outros diretores.  Visconti foi um dos maiores realizadores da história do cinema, tanto na temática densa que cobria a história, a vida social, as relações amorosas, de poder, a arte, quanto pela estética deslumbrante e pela reconstituição de época e de ambientes para lá de requintados.  O diretor de “O Leopardo”, “Ludwig”, “Os Deuses Malditos”, “Morte em Veneza”, “Rocco e seus Irmãos”, merece muitas idas ao cinema nesse período.  Quem não conhece bem o trabalho dele, então, tem uma oportunidade de ouro de se inebriar com a altíssima qualidade cinematográfica do mestre Visconti.

A grande mostra de filmes “Sonora: Ennio Morricone”, que já comentei aqui, continua no Centro Cultural Banco do Brasil – SP, até 19 de fevereiro.  Motivos não faltam para ir ao cinema, fora do circuito regular, com sessões a preços bem acessíveis ou mesmo gratuitas. 



quarta-feira, 7 de fevereiro de 2018

LADY BIRD


Antonio Carlos Egypto





LADY BIRD: A HORA DE VOAR (Lady Bird).  Estados Unidos, 2017.  Direção e roteiro: Greta Gerwig.  Com Saioirse Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letfs, Lucas Hedges, Timothée Chalamet.  94 min.


O começo do filme “Lady Bird: A Hora de Voar”, de Greta Gerwig, me incomodou bastante.  Num ritmo muito rápido, cheio de cortes e verborrágico à beça, parecia uma correria sem propósito de um filme que não tem muito a dizer.  Mas, felizmente, ele se acalmou e essa sensação não permaneceu.

“Lady Bird” é um filme que retrata essa realidade complicada da adolescência, em que nada parece dar certo, tudo incomoda, soa insatisfatório, “o mundo não gosta de mim”, essas coisas todas.  É assim que se sente a protagonista Christine (Saioirse Ronan), para começar, rejeitando o próprio nome e criando uma identidade mais atraente, com o apelido de Lady Bird.

Ela é da cidade de Sacramento, na Califórnia.  Pela descrição dela, um péssimo lugar para se viver.  Não tem nada que interesse a ela nem gente capaz de entendê-la ou valorizá-la.  O que, aliás, seria difícil, já que ela mesma não se valoriza.

Daí vêm os problemas com os pais, as dificuldades econômicas da família, que ela só percebe pelo que causam a ela, não aos genitores.  A mãe, Marion (a ótima Laurie Metcalf), é cobradora, controladora, mas amorosa, a seu jeito.  Como qualquer mãe, lidando com as dificuldades da realidade objetiva e do espírito derrotista de sua filha adolescente.  Já o pai, Larry (Tracy Lefts), tenta ser bom o tempo todo, em que pesem as adversidades.  É acolhedor, compreensivo, mas incapaz de preencher as necessidades afetivas da menina.  O problema dela, naturalmente, é com a mãe.  Uma duelando com a outra, em alguns aspectos, frustrando-se mutuamente. 




Enquanto isso, Christine enfrenta o desafio de entrar numa boa faculdade, com seu histórico escolar medíocre e a pouca crença que ela acha que todos têm nela.  Às vezes, comprovada por palavras, frases inoportunas, que os adultos realmente expressam.  A experiência de estudar numa escola católica até o final do ensino médio é algo que ela já não consegue tolerar mais, embora a escola até tenha estimulado a expressão de alguns dotes artísticos por parte dela.

Last but not least, é claro, vêm os meninos.  Os namoros, a perspectiva da primeira transa, a expectativa de experiência especial, que passa longe da cabeça dos rapazes.  A descoberta de que o desejo tem vários caminhos, e por aí vai.

“Lady Bird” vai, com todos esses componentes, traçando o processo de amadurecimento feminino, mostrado do ponto de vista da protagonista, a partir de um relato que tem muitos elementos autobiográficos da diretora e roteirista, Greta Gerwig, que também é atriz conhecida e produtora.  É isso, principalmente, o que faz com que o filme passe ao espectador uma sensação de autenticidade, que vai além dos clichês e dos elementos previsíveis que constituem a adolescência no gênero feminino.

“Lady Bird” está indicada a 5 Oscar: melhor filme, diretora, roteiro original, atriz e atriz coadjuvante.




domingo, 4 de fevereiro de 2018

O DESTINO DE UMA NAÇÃO


Antonio Carlos Egypto




O DESTINO DE UMA NAÇÃO (Darkest Hour).  Reino Unido, 2017.  Direção: Joe Wright.  Com Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Ben Mendelsohn, Lily James, Ronald Pickup.  126 min.


“O Destino de uma Nação” é o segundo filme, proveniente do Reino Unido, no ano de 2017, que coloca Winston Churchill (1874-1965) em evidência.  O outro foi “Churchill”, de Jonathan Teplitzky, que focaliza o estadista se questionando e sendo questionado no período decisivo da vitória, na Segunda Guerra Mundial, quando da invasão da Normandia, no famoso Dia D.  O ator Bryan Cox compôs Churchill muito bem (veja crítica aqui, no cinema com recheio).

Aqui, a proeza de compor Churchill coube a Gary Oldman, que está ótimo, irreconhecível, para viver o papel.  É o favorito para o Oscar de ator, por sinal.  A situação é outra, é o período anterior, em que a Inglaterra cogitava negociar com Hitler e Mussolini, entregando parcialmente os pontos, tentando salvar o que pudesse.  O que virou o jogo foi justamente a liderança e o arrojo do primeiro ministro Winston Churchill, que, sendo capaz de ouvir seu povo, passou a contar com ele, o que acabou possibilitando a salvação milagrosa do exército britânico, encurralado em Dunquerque.  Um líder político capaz de decidir com firmeza, ainda que tivesse suas próprias dúvidas e medo de errar, é fundamental numa hora dessas.  A história tem suas próprias determinantes e seu próprio ritmo, mas as pessoas fazem muita diferença e imprimem sua marca nos acontecimentos.

Não surpreende a fixação na figura de Churchill ser tão forte até os dias de hoje.  Não só para louvar seu papel e liderança decisivos, mas para mostrar o lado questionável e polêmico do político.  Isso fica claro, tanto em “O Destino de uma Nação” quanto em “Churchill”.  Neste último, até surpreende pela figura vulnerável que apresenta.  Mas “Darkest Hour” parece muito mais convincente, ao valorizar, numa medida que me parece justa, a figura decisiva do primeiro ministro, que passou para a história, com honras e glórias.  Porém, tanto o personagem era polêmico que, depois da vitória na guerra, perdeu as eleições na Inglaterra. 




A batalha de Dunquerque, que consistia em resgatar os soldados britânicos da morte certa, foi, em 2017, também objeto do filme “Dunkirk”, de Christopher Nolan (também analisado aqui no cinema com recheio), que acaba sendo um complemento perfeito para “O Destino de uma Nação”, ambos na disputa do Oscar 2018.

A presença do personagem de Churchill em dois filmes diferentes produz um exercício interessante, para entender a complexa figura sob diferentes ângulos, além do papel importante de sua mulher, Clementine, aqui no desempenho de Kristin Scott Thomas, e de sua secretária pessoal, em momentos marcantes de suas decisões.


Joe Wright faz um filme convencional, na forma, mas bastante interessante de se ver, pela história que conta e pelo envolvimento emocional com o personagem e seus dilemas políticos.  A questão política está bem trabalhada no filme, suas tensões e o suspense que gera funcionam como elementos que fisgam o espectador.



quinta-feira, 1 de fevereiro de 2018

A FORMA DA ÁGUA e O MONSTRO DA LAGOA NEGRA


Antonio Carlos Egypto


A FORMA DA ÁGUA (The Shape of Water).  Estados Unidos, 2017.  Direção: Guillermo del Toro.  Com Sally Hawkins, Octavia Spencer, Michael Shannon, Richard Jenkins, Doug Jones, Michael Stuhlbarg.  123 min.

O MONSTRO DA LAGOA NEGRA (Creature from the Black Lagoon)Estados Unidos, 1954.  Direção: Jack Arnold.  Com Julie Adams, Richard Carlson, Richard Denning, Nestor Paiva.  80 min.





Reconheço que “A Forma da Água” é um título poético para o filme de Guillermo del Toro, que conseguiu o maior número de indicações para o Oscar 2018: 13.  No entanto, sendo mais concreto, o filme poderia se chamar A Forma na Água ou A Criatura na Água ou, ainda, O Monstro na Água, porque é disso que se trata.  Uma criatura estranha, uma espécie de homem-anfíbio, que remete a “O Monstro da Lagoa Negra”, o filme de Jack Arnold, de 1954, em que se falava de um homem-peixe, algo que cientistas pesquisavam, em busca de encontrar um elo perdido na evolução humana.

Em “A Forma da Água”, não é muito diferente.  Aqui estamos num laboratório estadunidense, em que se fazem experimentos secretos com o tal homem-anfíbio, que vive na água, já não mais na romântica lagoa negra da Amazônia brasileira, mas num conteiner dentro do laboratório.  Embora almejando as águas abertas que levem ao mar.

O MONSTRO DA LAGOA NEGRA

 Pois bem, as duas figuras se assemelham muito, evidenciando que a inspiração de “A Forma da Água” foi o monstro da lagoa negra.  Essa figura humana-animal aparece como um ser que assusta, aterroriza, ao mesmo tempo em que atrai o interesse.  O que é estranho, diferente, é perigoso e, no limite, deve ser destruído.  Antes, porém, vamos explorá-lo, extrair dele o que nos interessa.  No contexto da Guerra Fria dos anos 1960, é a competição com a União Soviética, vista como inimiga, que move as ações.  Suspeita-se do que é diferente, daquele que traz perigo. Como sempre acontece.

Diferentes também se atraem e uma moça muito bonita como Kay (Julie Adams), em “O Monstro da Lagoa Negra”, ou, pelo menos, muito gentil e afetiva, como a Elisa (Sally Hawkins), de “A Forma da Água”, produzem uma atração no tal monstro.  Aí, a referência à história de A Bela e a Fera é óbvia.  No filme de Guillermo del Toro, com um elemento novo, talvez politicamente correto, a bela é uma moça portadora de deficiência comunicativa, ou seja, é muda.  Isso introduz uma variável interessante, ao contar a história, porque facilita que ela esconda seu segredo dos patrões.  Não é da sua deficiência que o filme se ocupa, ela é a heroína da situação, sua coragem e determinação são os elementos que a destacam.  Partindo de uma condição bem modesta, a de funcionária de limpeza do laboratório.  Um pouco de Cinderela vai bem, também.


A FORMA DA ÁGUA

 Se, em “O Monstro da Lagoa Negra”, a aventura toma o primeiro plano, em “A Forma da Água” é o conto de fadas que emerge do substrato líquido da trama. O cineasta Guillermo del Toro busca o estranho, o bizarro, para criar seu mundo e o relaciona com a realidade do que pode ser visto nos telejornais diários, as notícias do mundo.  Foi assim, também, em seu “O Labirinto do Fauno”, de 2006, em que a fantasia interagia com a ditadura franquista espanhola.  O resultado é híbrido, como o monstro humano aquático dos dois filmes, o de 1954 e o de 2017, mas tem seu encanto, assim como eles.

Em “O Monstro da Lagoa Negra”, o vínculo com a realidade se dá mais claramente pela ciência e pelo uso estratégico que pode gerar, com menos vínculo político com a realidade imediata.

“A Forma da Água” é aposta quase certa para vários Oscar.  O filme atrai, agrada, mesmo a quem não faz conjecturas ou associações e curte simplesmente a história de amor e o suspense da narrativa.  Ou se encanta com a linda trilha sonora de Alexandre Desplat, já premiada, assim como o diretor del Toro, com o Globo de Ouro 2018.  Uma gravação de Babalu, de Margarita Lecuona, com Caterina Valente e Silvio Francesco, aparece na trilha e nos faz lembrar da gravação magistral de Ângela Maria, que acompanhou toda sua vida artística.  Tem Carmen Miranda aparecendo na TV cantando Chica Chica Boom Chic


O MONSTRO DA LAGOA NEGRA

 O Brasil estava presente também no antigo monstro, a ação toda supostamente se passava na distante Amazônia brasileira, uma preservada zona do globo, que teria mantido elementos ancestrais da evolução terrena.  Talvez tivesse sentido em 1954, hoje, certamente, não mais, com o desmatamento a todo vapor.

Bem, mas por que estou falando de “O Monstro da Lagoa Negra”, um clássico do distante 1954, junto com “A Forma da Água”, de 2017?  Não só pela influência de um sobre o outro, mas porque é possível vê-los, a ambos, no cinema, agora mesmo, sendo “O Monstro da Lagoa Negra” exibido em cópia restaurada em 3D.  O filme foi realizado originalmente em 3D, quando a moda apareceu, e depois sumiu.  Está em exibição no cinema do Instituto Moreira Salles, que também exibe, assim como outras salas de espetáculo, “A Forma da Água”.  Um programa duplo que vale a pena. 

  


terça-feira, 30 de janeiro de 2018

ARTISTA DO DESASTRE


Antonio Carlos Egypto





ARTISTA DO DESASTRE (The Disaster Artist).  Estados Unidos, 2017.  Direção: James Franco.  Com James Franco, Dave Franco, Seth Rogen, Alison Brie.  104 min.



Você já esteve numa sessão de cinema em que o filme, pretendendo lhe mostrar um drama ou aventura, era tão mal feito, estranho, improvável, mal interpretado, que a plateia se põe a rir e, a partir daí, tudo vira comédia?  É uma experiência irritante, mas, ao mesmo tempo, muito divertida.  E compartilhada!

Há filmes assim, um deles deve ter sido “The Room”, de 2003, dirigido por Tommy Wiseau, que é objeto de “Artista do Desastre”.  Um filme que, de tão ruim, se tornou   cult.  E é visto até hoje em sessões malditas no cinema.  As pessoas até listam motivos para assistir ao pior filme de todos os tempos.  A história real dele comporta muitas dúvidas e variações.  Difícil saber como foi mesmo que o tal filme surgiu e se concretizou.

Seja como for, o modo como James Franco representa Tommy Wiseau é estranho e engraçado.  Valeu-lhe o Globo de Ouro como ator de comédia.  Em “Artista do Desastre”, Tommy é mostrado como uma figura absolutamente histérica, sem noção ou limites, sem equilíbrio nem respeito pela privacidade alheia.  E também sem talento.  Mas com dinheiro.  Pelo jeito, muito dinheiro.  Herança milionária?   Não fica claro.




O fato é que Tommy se põe a custear o próprio filme, sem noção do que é dirigir, mas contando com um aspirante a ator, de quem se torna amigo e mantenedor: Greg Sestero (Dave Franco).  Do livro que Greg escreveu é que surgiu a história contada no filme.  Ou seja, ele teria contado o que viveu e como fez “The Room”, como ator e principal colaborador do cineasta sem noção.  Foi pelo roteiro adaptado desse livro que “Artista do Desastre” conseguiu sua única indicação ao Oscar 2018.

A forma como James Franco dirige o filme enfatiza como um desastre de imensas proporções, com muito dinheiro torrado, sobrevive por milagre.  Ou seja, pela capacidade que temos de nos divertir com o que é aberrante, mal feito, ruim.  Diante do desastre, melhor relaxar e gozar.  Desse modo, surge uma comédia sobre esse curioso produto, que é bem divertida.


Já nos créditos finais, são mostradas cenas originais do “The Room”, em paralelo a suas recriações em “Artista do Desastre”.  A similaridade é impressionante!



terça-feira, 23 de janeiro de 2018

SONORA:ENNIO MORRICONE

     
Antonio Carlos Egypto




O compositor Ennio Morricone tem uma vasta contribuição à música de cinema, sendo responsável por mais de 500 trilhas de filmes, na sua Itália de origem e em todo o mundo.  Trabalhos inesquecíveis, que fazem parte da trilha de vida de todos nós.  Basta lembrar  os western-spaghetti de Sergio Leone, “Cinema Paradiso”, de Giuseppe Tornatore, “Teorema”, de Pasolini, “1900”, de Bernardo Bertolucci, “O Deserto dos Tártaros”, de Valerio Zurlini, “A Batalha de Argel”, de Gillo Pontecorvo, “Investigação Sobre um Cidadão Acima de Qualquer Suspeita”, de Elio Petri, “Os Intocáveis”, de Brian De Palma, “Áta-me”. de Pedro Almodóvar, “A Missão”, de Roland Joffé, “Cão Branco”, de Samuel Fuller, “Cinzas do Paraíso”, de Terence Malick ou “Os Oito Odiados”, de Quentin Tarantino.  A lista é interminável, mas por aí já dá para perceber a enorme importância do trabalho musical de Ennio Morricone.  Pois bem, agora que ele está prestes a completar 90 anos de vida, todos esses filmes e muitos outros poderão ser vistos de 24 de janeiro a 19 de fevereiro, numa mostra que homenageia o compositor, no Centro Cultural Banco do Brasil, centro de São Paulo, em sessões a R$5,00.  Veja a programação em ccbbsp@bb.com.br


segunda-feira, 22 de janeiro de 2018

PRÊMIO ABRACCINE 2017


Antonio Carlos Egypto




A Abraccine – Associação Brasileira de Críticos de Cinema -, da qual também sou associado, tem abrangência nacional, reúne cerca de 100 críticos, em 16 Estados do Brasil.  Por indicação de cada um de nós e posterior votação, foram escolhidos os melhores filmes de 2017, nas categorias melhor filme nacional, longa e curta, e melhor filme estrangeiro.

Os vencedores foram:
Melhor Longa Brasileiro: MARTÍRIO, de Vincent Carelli, Ernesto Carvalho e Tatiana Almeida.
Melhor Curta Brasileiro: MAMATA, de Marcus Curvelo.
Melhor Longa Estrangeiro: PATERSON, de Jim Jarmusch.

Paulo Henrique Silva, presidente da Abraccine, afirma que “o prêmio Abraccine marca o encerramento de um ano de muitas atividades da associação, voltadas para a divulgação da reflexão crítica no país.  Os filmes lançados em 2017 refletiram diversas inquietações da sociedade atual e o resultado do prêmio é um exemplo disso”.

Abaixo, o que escrevi sobre os dois longas premiados, aqui no cinema com recheio.

                                           MARTÍRIO
 Antonio Carlos Egypto


O documentário nacional “Martírio”, de Vincent Carelli, Ernesto Carvalho e Tatiana Almeida, de 2016, aborda a política indigenista dos governos brasileiros junto aos índios Guarani-Kaiowá, que sempre buscam recuperar suas terras sagradas e são tratados como invasores.  Constata-se que, de Getúlio Vargas a Dilma Rousseff, pouca coisa mudou no massacre a que estão sujeitas as populações indígenas, frente aos interesses do agora assim chamado agronegócio. Suspeito que, no momento atual, as coisas podem ter piorado ainda mais.  O filme é forte, denso e informativo.  A denúncia que apresenta é muito séria.  O problema é que o filme é muito longo.  Merecia uma edição mais enxuta, o que seria mais eficaz para os seus objetivos.  162 min.

SEGUNDA-FEIRA, 8 DE MAIO DE 2017


PATERSON


Antonio Carlos Egypto




PATERSON (Paterson).  Estados Unidos, 2016.  Direção e roteiro: Jim Jarmusch.  Com Adam Driver, Golshifteh Farahani.  118 min. 


Paterson (Adam Driver) vive em Paterson, New Jersey, cidade de cerca de 150 mil habitantes.  Isso já indica uma posição de familiaridade, de pertencimento, de conforto.  Difícil se sentir estranho ou excluído numa cidade pequena, que leva o seu nome, ou que seu nome tenha sido escolhido em função dela.

O personagem Paterson é motorista de ônibus na cidade e cumpre uma rotina diária que inclui ir para casa após o trabalho, jantar e conversar com a mulher, levar o cachorro buldogue para passear, passar no bar para tomar uma cerveja.  Mas, no meio de tudo, em qualquer espaço de tempo, ele escreve poemas do cotidiano, num caderno secreto, que não mostra nem para a esposa.  A inspiração pode vir de uma conversa qualquer ou de uma simples caixa de fósforos.




Laura (Golshifteh Farahani), esposa de Paterson, tem outro tipo de rotina.  Se ocupa de forma maníaca com formas geométricas em preto e branco, usadas para decorar todos os cantos da casa, suas roupas e seu violão.  E faz cupcakes enfeitados, com motivos em preto e branco.  Até quando propõe uma ida ao cinema com o marido, o filme de terror antigo é em preto e branco.

O casal vive bem, se apoia mutuamente, são afetivos um com o outro e convivem com o cachorro em paz.  O que isso tudo mostra?  Que o mundo de cada um pode ser confortável, tranquilo. Que a rotina não precisa ser vista como um tédio ou simples acomodação.  Ela também pode ser acolhedora e até poética.  O que não significa, é claro, ausência de conflitos.  E me vem à lembrança o título em português do último filme de um dos grandes mestres do cinema japonês, Yasujiro Ozu (1903-1963): “A Rotina Tem Seu Encanto”, de 1962.  Esse mesmo título caberia muito bem no filme de Jarmusch.  A inspiração em Ozu também é clara.  Tanto que, quando algo abala essa bela rotina poética, é um poeta japonês que aparece em Paterson, para salvar a poesia do personagem Paterson.  Bonito isso!




O diretor Jim Jarmusch teve grande destaque no cinema independente norte-americano, nos anos 1980, e chamou muito a atenção pela capacidade de criar climas mais do que coloquiais e, ao mesmo tempo, estranhos, algo assim meio fora do tempo e das expectativas sociais.  Os ambientes e situações são banais e, às vezes, rotineiros.  Gosto muito de “Estranhos no Paraíso”, de 1984, “Daunbailó” (Down By Law), de 1986, dos curtas que deram origem ao longa “Sobre Café e Cigarros”, de 2003, e do mais recente, “Amantes Eternos”, de 2013.  O jeito cool e esquisito da maioria dos personagens que ele retrata são muitíssimo interessantes, embora nem todas as histórias consigam o efeito desejado e algumas coisas soem repetitivas, no conjunto da obra.  É natural.  Para quem chegou surpreendendo, passada a surpresa a novidade se esgota.  Mas ele está se mostrando capaz de se renovar, ultimamente.  “Paterson” é um claro exemplo disso.

Jim Jarmusch sempre consegue extrair dos atores que escolhe desempenhos especiais, minimalistas, lunáticos, tresloucados ou passivos.  O casal que forma a dupla de protagonistas aqui dá um show de atuação e compõe personagens tão simpáticos quanto familiares e perfeitamente integrados ao clima do cineasta.  A linda e talentosa atriz iraniana Golshifteh Farahani, que foi banida de seu país por ter posado nua para uma revista, é muito convincente e encantadora.  Ela tem mostrado uma versatilidade grande em filmes como “A Pedra da Paciência”, de 2012, e “Dois Amigos”, de 2015.  Adam Driver entrou no clima cool do diretor e se saiu muito bem.  Acabamos de vê-lo em “Silêncio”, de Martin Scorsese, no papel de um padre; ele também tem atuado nos filmes da série “Star Wars”.  A atriz e o ator agregam valor a esse novo trabalho de Jim Jarmusch.


sábado, 20 de janeiro de 2018

ME CHAME PELO SEU NOME


Antonio Carlos Egypto




ME CHAME PELO SEU NOME (Call Me By Your Name).  itália/Estados Unidos, 2017.  Direção e roteiro: Luca Guadagnino.  Com Armie Hammer, Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, Esther Garrel.  131 min.



“Me Chame Pelo Seu Nome” é um filme que aborda, com beleza e sutileza, o desabrochar da sexualidade, o desejo e o amor homoeróticos.  Sem deixar de considerar o contexto social inibidor, a quebra de expectativas, torna factível, e até suave, uma experiência homossexual entre dois homens jovens, Oliver (Armie Hammer) e Elio (Timothée Chalamet), no verão de 1983, no norte da Itália.  Já constatando e refletindo avanços reais nas mentalidades, que foram transformando preconceitos em tentativas de compreensão e acolhimento.

Magníficas locações no norte da Itália fazem a bela moldura do drama.  Uma produção caprichada e requintada, que seduz o espectador.  O problema está no elitismo da proposta.  Senão, vejamos.

Elio, aos 17 anos, passa seus verões numa casa de campo luxuosa da família.  Ele lê muito, absorve e discute literatura com seus pais e outros frequentadores da casa.  É inteligente, bem informado, toca piano e violão, conhece tanto música clássica quanto boa música popular da atualidade.  Seu pai é um renomado professor, especializado em cultura greco-romana, que costuma receber estagiários qualificados para ajudá-lo em suas pesquisas, nos verões lá passados.  Ali, eles são hospedados, servidos por diversos empregados, desfrutam de comida sofisticada, piscinas naturais, natureza exuberante os envolve.

O estagiário da vez é Oliver, pesquisador norte-americano de 25 anos, desenvolvendo doutorado, que será objeto do interesse de Elio.  Este, por sua vez, vai vivendo suas primeiras experiências sexuais com a amiga Márzia, sob a aceitação tácita dos pais.  Esses mesmos genitores, evidentemente, serão capazes de entender e acolher a diversidade sexual.  Dinheiro tem de sobra, não há qualquer restrição quanto a isso. 




Convenhamos, num contexto como esse, tudo fica mais fácil, até o sofrimento é bonito de se ver, como as cenas finais do filme atestam.

Nada disso tira os méritos de “Me Chame Pelo Seu Nome”.  A direção de Luca Guadagnino, que também fez o belo “Um Sonho de Amor”, em 2009, é muito segura.  O roteiro, também do cineasta James Ivory, é muito bom.  Os dois atores centrais, Armie Hammer e Timothée Chalamet, dão um show de interpretação e revelam uma parceria em cena muito convincente.  O clima leve em que o drama é levado também é uma escolha feliz, já que as histórias de amor gay costumam ser muito carregadas de tensões, agressividade e incompreensões.  Evidentemente, não é preciso ser assim.  No caso, o contexto onde se dá a trama, e o local, favorecem um pouco demais a leveza.  Mas por que não?  Os ricos também amam, e sofrem, não é?

A produção é absolutamente global.  Envolve a Itália, do diretor Guadagnino, os Estados Unidos, a França e até mesmo o Brasil, por meio de Rodrigo Teixeira, da RT Features.  O filme é falado em várias línguas, conforme a necessidade das situações e personagens, inclusive o inglês.  Isso lhe permite concorrer ao Oscar, ao que parece, com boas chances em algumas categorias.  Se viesse a ser escolhido como melhor filme, não deixaria de ser, também, uma vitória brasileira, já que são os produtores que recebem o prêmio.

Conjecturas e fantasias à parte, será que a Academia de Hollywood já conseguiria hoje premiar um romance gay, o que ela quase fez com “Brokeback Mountain”, em 2006, mas que não rolou?  Recebeu, então, os prêmios de melhor diretor para Ang Lee, roteiro adaptado e trilha sonora original.  Mas o de melhor filme ficou para “Crash”. Verdade que "Moonlight", que venceu o ano passado,  incluia a questão gay, mas a discussão era mais ampla e focava as temáticas racial e social. Ali a Academia estava procurando se redimir das críticas que recebeu quanto à discriminação das indicações de negros no Oscar. Novos tempos, novas possibilidades?  A conferir.